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L’autre soir, j’ai regardé Moonrise kingdom de Wes Anderson, quelques semaines après avoir vu The Grand Budapest Hotel.
J’ai toujours le même sentiment après chaque film de ce réalisateur. L’esthétique est irréprochable. Photo, musique, décor, costumes, tout cela mérite des louanges. Mais je ressors ennuyé, agacé par tous ces beaux moyens qui n’arrivent pas ou peu à m’émouvoir.
J’ai vu Les choses de la vie (1970) de Claude Sautet une première fois au détour d’une fin de soirée, sur France 2. Il a suffi de 5 minutes pour que je sois intrigué et que je décide de le regarder jusqu’au bout. C’est un très beau film des années 70, construit en flash-backs à partir d’un accident de voiture. L’un des premiers plans est celui d’un pneu, détaché d’une voiture accidentée. Séquence suivante : un couple est alité. La femme, Hélène, est nue et découverte. C’est Romy Schneider, au faîte de sa beauté, amoureusement allongée à côté de Michel Piccoli. Ils ont fait l’amour. Le film alterne entre deux reconstitutions de la vie de Pierre Bérard: celle de son accident de voiture, brutale, découpée au ralenti, celle de son existence passée, flottant entre incertitudes et moments heureux.
Cinq pièces faciles (Five easy pieces) de Bob Rafelson fait partie des films qui m’ont donné envie d’ouvrir ce blog. Il tient sa place dans un modeste panthéon de films américains qui m’ont passionné et que je revois avec plaisir de temps en temps. Ils s’appellent Bienvenue Mr Chance (Ashby), Fat city (Huston), Conversation secrète (Coppola), L’épouvantail (Shatzberg), Papermoon, La dernière séance (Bogdanovich), Le lauréat (Nichols) etc. Chacun m’est précieux, intime, jubilatoire et j’en évoquerai quelques-uns dans une série d’articles appelés « ma vidéothèque idéale » que je commence aujourd’hui. Cinq pièces faciles date de 1970, dernière époque avant les années 80 où le cinéma américain grand public est humain. Loin des transformers, des pirates des caraïbes, des super héros, il s’adresse à des adultes comme à des adultes, ne rechignant pas à se placer sur un plan politique, social ou métaphysique ; il reste néanmoins américain au sens où il demeure divertissant et classique dans ses schémas narratifs. Son originalité est de convoquer des héros ambigus, indécis, indéterminés, perdus, angoissés. Il se raconte à travers des ouvriers, des paumés, des fous, des petits, des oubliés, des pauvres filles. Il est touchant et grave.
Oubliez Taxi Driver. Oubliez Raging bull. Oubliez Casino. Le loup de Wall Street n’est pas de ce bois-là et pourtant il n’est pas mauvais du tout. Il est même très bon malgré une demi-heure de trop sur trois heures de temps. Le film fonctionne comme un mix de comédie déjantée et de teen-movie et ça n’a rien d’ironique sous ma plume.
Deux comédies dramatiques m’ont fait retrouver de l’enthousiasme en ce beau mois de septembre 2013 : Ma vie avec Liberace et La bataille de Solferino. Une troisième m’a franchement déçu : Blue Jasmine de Woody Allen, qui bénéficie d’un enthousiasme de la presse assez étrange.
Ma vie avec Liberace de Soderbergh est un film assez trompeur. Nous sommes en 1977. Un peu du I feel love de Donna Summer résonne dans un bar gay et nous présageons d’un biopic flamboyant et hédoniste. Le personnage réel dont il est question, Liberace, est une star américaine qui n’a pas son équivalent ici. C’était un pianiste qui adaptait la musique classique au kitsch de Las Vegas. C’était une idole pour vieilles dames. Et un homosexuel qui n’assumait pas ses penchants, faisant condamner les journalistes indiscrets. Passé donc la très belle scène où Scott (Matt Damon) découvre Liberace (Michael Douglas) sur scène, toute la dramaturgie est repoussée en coulisses. Ce qu’on voit dans le privé ne peut être montré en public. La flamboyance et le rêve incarnés dans le show se dérobent très vite au profit d’une histoire beaucoup moins glamour, celle d’une idylle entre l’artiste et de son jeune amant, pleine de cruauté et de désespoir. Ma vie avec Liberace est un film trompeur car pour un biopic sur un homme de music hall, c’est un film dénué de spectacle et d’ampleur romanesque. Le scénario est linéaire, il serait même plat s’il ne racontait sur un ton très léger de véritables horreurs, le tout dans un décor comique à force d’être kitsch. Adepte du bistouri pour effacer des rides qui lui rappellent son père, Liberace oblige son amant à se faire le même visage que lui. Soulagé, Liberace parle de liberté à la sortie de l’enterrement de sa mère. L’artiste est dépeint comme un manipulateur qui n’offre rien qu’il ne reprenne quand il en a envie. Superbement joué par Michael Douglas, il offre le portrait d’un homme égoïste, dénué d’amour pour autrui. Peut-il en être autrement d’une folle qui ne s’accepte pas ? La haine de soi et la frénésie narcissique de plaisirs irriguent ce personnage qu’on ne peut pas tout à fait détester. Face à Douglas, Matt Damon livre une prestation supérieure à celle de son partenaire car plus subtile. Lui doit incarner toutes les facettes de l’amour et pour cela accepter toutes les métamorphoses. Il est tour à tour tendre plouc en quête d’amour, éphèbe énamouré et défiguré, amant délaissé et junkie, homme en reconstruction pendant les années sida. Le film a quelques longueurs mais il faut saluer la puissance d’incarnation de ses deux comédiens. Avec Liberace, Soderbergh a réussi le même pari qu’avec le Che : nous vendre comme un film à spectacle un film intimiste où tout est niché dans les détails.
La bataille de Solferino de Justine Triet est une bien belle surprise. L’esprit du film est empreint d’humour et d’une fraîcheur de ton vivifiante. Le jour de l’élection de François Hollande, Vincent (Vincent Macaigne) tente de voir ses deux petites filles que son ex-compagne, Laetitia (Laetitia Dosch), reporter i-Télé envoyée rue de Solferino, a laissé à un baby-sitter largué. Effrayée par les accès de violence de Vincent, Laetitia demande au baby-sitter d’emmener les enfants rue de Solferino, afin de les protéger de Vincent. Vincent les rejoint, angoissé par la foule qui gonfle dans l’attente des résultats et la tension enfle. Laetitia interviewe les militants des deux camps, chauffés à blanc par la campagne électorale. La petite histoire rejoint la grande Histoire. Dans le cadre réel et bien vivant de la rue de Solferino, la réalisatrice a eu la bonne idée de mettre en scène une double bataille entre deux camps qui ne peuvent plus se parler. La métaphore des ex séparés qui sont comme deux camps politiques irréconciliables fonctionne très bien mais le film donne plus que ça. Entre les deux confrontations, c’est la moins artificielle qui nous émeut. Qu’est-ce qu’une élection présidentielle sinon un moment médiatique artificiel, gonflé de son importance ? Qu’est-ce que ça vaut à côté du déchirement d’un couple autour des enfants ? Pendant que les militants des deux camps alignent les énormités et singent, pour ceux du PS, une euphorie qu’on trouvera ridicule a posteriori, un homme et une femme tentent de protéger leurs enfants, de rester des parents et de communiquer. On ne saura pas si les scènes sont intégralement écrites ou si la réalisatrice a laissé un cadre très libre et propice à l’improvisation. On découvre un film qui respire la spontanéité, le vivant, l’humain, la drôlerie. On a parlé de film foutraque dans la presse. Caricature ! La bataille de Solferino laisse simplement les comédiens jouer pleinement ce truc bancal qu’on appelle la vie. On s’effraye des disputes entre Laetitia et Vincent puis on rit à voir ce dernier déambuler avec son « avocat », Arthur, un pote qui veut rendre service. Quand Laetitia reproche à son compagnon d’être un artiste raté pendant qu’elle, journaliste TV, fait un métier utile parce qu’elle prescrit l’opinion des gens, on voit où penche la réalisatrice, du côté de Vincent, pour le spontané, contre le formaté. Pendant que certains prétendent « changer la vie », d’autres se battent pour ne pas la subir complètement. Echoués dans un restaurant chinois, Vincent et Arthur peuvent vider quelques verres tout en se vannant, les élections sont déjà loin.
La surprise et la spontanéité trouvées dans La bataille de Solferino sont absentes de Blue Jasmine, la nouvelle livraison annuelle de Woody Allen, la vache sacrée de la critique française. Je vais d’abord répéter ce que tout le monde sait : Cate Blanchett est une excellente actrice. Son interprétation angoissée de Jasmine French, femme née pour vivre riche, le démontre. Elle joue brillamment une Zelda Fitzgerald au temps de la finance débridée. Hélas, le scénario de Blue Jasmine est d’une construction très manichéenne, lestée de clichés balourds. Après avoir été mariée avec un simili-Madoff qui s’est suicidé, Jasmine French, part de New York pour retrouver à San Francisco sa sœur, Ginger (Sally Hawkins), adoptée comme elle, une prolétaire un peu idiote qui ne s’entiche que de « losers ». Tandis que Ginger sort avec des prolétaires, Jasmine, après avoir repoussé les minables qui ne lui plaisent pas, rencontre un homme riche promis à une brillante carrière politique. Elle va vraisemblablement retrouver la vie upperclass et douillette qui lui plaît tant. Dans ce scénario qui tourne en rond, les personnages n’évoluent pas d’un iota, comme si leur existence était déterminée par les gènes de la richesse ou de la pauvreté. Allen s’oblige parfois, pour sortir de cet enfermement et prendre un peu de hauteur morale, à quelques coups de théâtre peu inspirés. Il ressort de ce film deux portraits de femmes peu attachantes. Le spectateur est comme cette vieille dame que Jasmine colle tout au long de son New York – San Franscisco, il se demande, amusé et agacé à la fois, comment en finir avec cette bavarde égocentrique. Pour son retour en Amérique après l’Europe, on ne comprend pas bien ce que Woody Allen veut nous dire de son pays et s’il veut nous dire quoi que ce soit. Il renvoie dos à dos riches et pauvres, hommes et femmes, Côte Est et Côte Ouest, dans un film misanthrope, tantôt agréable, tantôt ennuyeux.
Le cinéma d’aujourd’hui m’ennuie. La trame des histoires d’amour, de séparation, d’adultère est usée jusqu’à la corde. Les films de super héros sont puérils. Les comédies ne sont pas drôles. Les drames sont bourgeois et prévisibles. Les effets spéciaux et le numérique étouffent les personnages. Les intrigues sont mal écrites. Je sais de plus en plus à quoi m’attendre quand je regarde un film. Je n’apprends rien, je ne suis pas bousculé, je suis conforté par des recettes et des clichés. On ne me parle que de ce que je connais. Et pourtant, tant de choses dans le monde me dépassent et peuvent me fracasser : réchauffement climatique, trafics, terrorisme, prolifération du numérique, spéculation financière délirante, marchandisation des corps, migrations massives, toute puissance du sport etc. De plus, il y a dans l’histoire du monde la matière de millions de films et de scénarios originaux: conquêtes, grandes découvertes, révolutions, colonisations, etc. L’humain est dans l’Histoire comme un ours sur une banquise qui se détache, il ne sait pas ce qui va arriver. L’Histoire en action est donc un terrain de fiction à reconquérir.
Quel français fera un film sur la Commune de Paris? Sur la Françafrique ? Qui osera faire un film critique sur le sport spectacle ? Qui traitera de l’invasion du numérique dans notre intimité ?
De plus en plus, on se réfugie dans les séries pour voir des sujets qui ne sont plus traités sur grand écran. Le cinéma est devenu un art conformiste, un art de mollusque.
La postmodernité, le référentiel, le clin d’œil, le second degré sont épuisés. Pour revivre, le cinéma doit parler de l’humanité en mouvement, pas reproduire des poses culturels et des références ad nauseam. Un film inspiré de la Nouvelle Vague est un film mort-né. Un film de Tarantino est un joujou sympathique.
C’est pourquoi j’en appelle à une grande révolution du cinéma mondial pour sortir du conformisme, des recettes et de l’ennui qui nous guettent. J’en appelle à un cinéma du réel, du concret, de la friction. J’en appelle à la science-friction, à la politique-friction etc.
Scénariste, réalisateur, écrivain, travailleur du 7ème Art, lève-toi et raconte-nous le monde ! Voici tes 13 commandements :
· Docteur Folamour (Kubrick)
· Les temps modernes (Chaplin)
· Conversation secrète (Coppola)
· La bataille d’Alger (Pontecorvo)
· Metropolis (Lang)
· Lacombe Lucien (Malle)
· M. Klein (Losey)
· Le cuirassier Potemkine (Eisenstein)
· Daratt (Haroun)
· Little Big man (Penn)
· La terre tremble (Visconti)
· Soleil vert (Fleischer)
· Total recall (Verhoeven)
· L’homme qui voulut être roi (Huston)
· Nous nous sommes tant aimés (Scola)
· Votez McKay (Richie)
· The parallax view (Pakula)
· Emitaï (Sembene)
· Raja (Doillon)
· La chinoise (Godard)
· Aguirre ou la colère des dieux (Herzog)
Etc.
AU TRAVAIL !!!