Intouchables, le film pansement

 

Intouchables est un film pansement, qui veut faire du bien au spectateur, en lui parlant d’amitié, de générosité et en évitant tout ce qui pourrait fâcher. C’est la recette pour un film populaire : repeindre la réalité avec des bons sentiments, faire dans la réconciliation nationale. Gérard Oury ne faisait pas autre chose dans la grande vadrouille, nous faire croire que les Français avaient tous été résistants pendant la guerre. Le film de Nakache et Toledano a donc un succès énorme. C’est normal, il est divertissant et ne fâche personne.

No stress

Un lascar de banlieue, Driss (Omar Sy) se met au service d’un richissime handicapé, Philippe (François Cluzet). Il passe sans transition d’une cité HLM de banlieue à un luxueux hôtel particulier parisien. Il a beau être pauvre, il n’éprouve ni envie, ni ressentiment pour un homme qui doit peut-être sa fortune à sa naissance. L’autre lui fait comprendre que ce serait pas mal de quitter l’assistanat, de se bouger les fesses, Driss ne bronche pas. Au fond c’est un bon gars. En plus il aime sa maman et veut sortir son petit frère des embrouilles. Tout au long du film, l’amitié grandit entre les deux hommes sans qu’aucune tension n’affleure. Le personnel de maison n’a que peu de méfiance pour un type qui a un casier judiciaire. Driss n’a aucun mal à vivre dans un beau quartier. Il y a bien des amorces de situations dramatiques : le petit frère, le vol de l’œuf de Fabergé, la méfiance de l’entourage de Philippe, les flics, l’arme retrouvée dans le sac etc. Elles sont toutes neutralisées. No stress. Driss n’est pas un instant rattrapé par son milieu. Il y a une telle désinvolture à ne pas aborder ces questions de regard et de distance sociale, à ne pas les problématiser qu’on peut émettre deux hypothèses. Soit les scénaristes ont refusé la confrontation/tension par simple calcul commercial. Soit ils ont simplement postulé que la différence de classe ne pose pas de problème, seule compte la bonne attitude. Il suffit de faire des efforts, de s’ouvrir à l’autre et le tour est joué ! Les mecs de banlieue, ils sont comme tout le monde, ils aiment l’ordre, le fric et les riches, ils veulent en être. Intouchables désamorce toute tension afin de nous faire rire. Peut-on en même temps divertir et montrer ce qui va mal ? Oui, la comédie italienne (Scola, Germi, Risi) faisait ça très bien, cela n’a rien d’antinomique, c'est une question d'écriture. Il y a dans la comédie populaire française une volonté de rassemblement qui se fait toujours sur le dos de la vérité.

One-man show

Les réalisateurs ne font que nous dire : « Hé les gars, on est là pour vous émouvoir et pour vous faire rigoler. On n’est pas chez Ken Loach ! » Pour cela, ils disposent d’un atout, un drôle de comédien issu de Canal+, Omar Sy, qui prend le spectateur comme il se saisit du tétraplégique. Omar Sy est comme cette Maserati garée dans la cour de l’hôtel particulier, un vrai bolide. Il enchaîne les vannes et répliques cinglantes à toute vitesse, emportant le film dans son propre one man show. Le corps de Philippe étant paralysé, celui de Driss est partout, de tous les plans. Cela épuiserait si le comédien ne dégageait une sympathie et une aisance à laquelle il est difficile de résister. L’intérêt pour le film dépendra du rire qu’il génère. Comme beaucoup, j’ai franchement ri et sans honte. Par contraste, le handicap de Philippe est développé de manière superficielle, comme pour activer ponctuellement la machine à larmoyer. Il faut bien qu’on nous rappelle sa souffrance, ses envies de vivre, mais pas trop quand même.

Nunuche

La fin se recentre sur la vie de Driss, qui retrouve son milieu et le film prend un tour involontairement risible. Driss s’assagit sans effort, trouve du travail, recadre son petit frère, console sa maman. Pourquoi cette fin nunuche ? Avait-on besoin de cet assagissement pour aimer le personnage de Driss ? Ne peut-on avoir d’empathie pour un lascar de banlieue que s’il se transforme en garçon travailleur et bien cadré ? Dans un film de ce registre, avec ces recettes, une histoire vraie façon conte de fée, cela semblait la seule issue. Par indulgence, on dira que la drôlerie d’Intouchables masque sa niaiserie consensuelle.

L'exercice de l'Etat (Schoeller): ce qui fait bander les ambitieux

Pour ceux qui pleurent l’absence de fictions crédibles mettant en scène le pouvoir politique en France, le dernier film de Pierre Schoeller, L’exercice de l’Etat, est une bonne nouvelle, un soulagement.

 

On croit à ce film parce qu’il parvient, tout en dressant finement le portrait d’un homme politique, à incarner par la mise en scène son titre, le fameux « exercice de l’Etat ». Le film développe une approche naturaliste, très journalistique dans son traitement qui permet de suivre le quotidien d’un ministre des transports, Bertrand St Jean (Olivier Gourmet). Comment cet homme chaleureux, un peu « société civile », « Objet Politique Non Identifié » comme dit sa chargée de communication, est amené à contester le projet de privatisation des gares SNCF puis à se renier et à défendre malgré lui cette réforme.

Drive (Winding Refn): le style fait tout

Drive de Nicolas Winding Refn est la preuve qu’il n’y a pas de bon polar sans style. C’est même le style qui fait tout. Donnez au réalisateur danois le script d’un Julie Lescaut et il en fera cette chose lumineuse et irréelle qu’est Drive. Car l’histoire est banale pour un film noir. Celle d’un type qui en voulant protéger une jeune femme et son fils se retrouve entortillé dans une sale affaire, une affaire de mafieux.

Chronique de fin d'été: The murderer, Mes meilleures amies

Ce qu’il y a de bien avec les disputes conjugales, la seule chose de bien en ce qui me concerne, est qu’elles m’autorisent des sorties (des fuites ?) dans les salles obscures pour voir des films qu’en temps normal je ne verrais pas. Je ne vais pas dire que je les provoque ces disputes, par passion du cinéma, non, mais quand l’ambiance se fait pesante comme une atmosphère précédant l’orage, rien de tel qu’un film pour se sentir plus léger. Encore faut-il que ce soit un bon film ! L’été est la période idéale pour voir ces films un peu insolites, un peu « seconds couteaux », qui se glissent dans la programmation, tels des esquifs coque contre coque avec les gros yachts du cinéma ricain. L’été est même une période un peu bizarre où les sens des critiques cinémas semblent éblouis par trop de soleil et où, justement le moindre film original au point de ne pas ressembler à Green Lantern peut être compté comme un chef d’œuvre ou un film « formidable ». The murderer et Mes meilleures amies semblent avoir été de cette catégorie-là.

 

The murderer (The yellow sea) de Hong-jin Na est un film fascinant malgré son dénouement gore. Cette histoire d’un joseonjok, immigré sinocoréen envoyé clandestinement en Corée du Sud par un truand local pour exécuter un homme, est une réussite dans ses deux premiers tiers. Tout part d’une contrée inhospitalière, d’un confin entre Corée du Nord, Russie et Chine, la préfecture chinoise autonome de Yanbian. A un taxi endetté dont la femme immigrée en Corée du Sud ne donne plus de nouvelles, un caïd local propose de partir à Séoul pour exécuter un homme d’affaires. N’ayant rien à perdre sauf l’occasion de gagner un peu d’argent et de revoir son épouse, il accepte. Mais le contrat ne se passe pas comme prévu et le pauvre immigré doit pour survivre devenir plus violent encore que les barons mafieux qui le poursuivent. The murderer, c’est du pur film noir où s’entrelacent misère et criminalité. Les hommes y sont réduits à l’état de chiens affamés qui se mordent. Hong-jin Na, qui a réalisé le palpitant The chaser (2009), est un filmeur habile et percutant. Il sait créer une atmosphère grisâtre, il sait accélérer le tempo, il sait mettre un peu d’humanité là où il faut. La recherche désespérée de l’épouse immigrée à Séoul contrebalance la violence des réglements de compte. La violence elle-même, quand elle ne sombre pas dans le gore grand guignol agit comme pure métaphore de l’instinct de survie qui anime l’homme traqué. L’instinct de survie se fait ici course effreinée, électrisante pour le spectateur, et trouve son apogée dans une intense séquence de poursuite sur le port de Busan. Hélas, le réalisateur n’a pas été avare d’hémoglobine. C’est d’ailleurs la grosse limite du film, cette violence carnale qui fait rire au début mais finit par saturer le film, l’étouffer à force de surenchères. Le sang poisse le scénario de la dernière partie et le film patauge dans l’hémoglobine. Les grosses giclées de sang me paraissent une concession commerciale plutôt malvenue à un public censé vouloir de la tripaille et des combats à la hachette. Plus de sécheresse et d’ellipses pour conclure auraient probablement fait de The murderer un chef d’œuvre du genre. Cela semble un défaut consubstantiel au cinéma commercial coréen : toujours en rajouter, choquer au maximum, atteindre le grotesque. The murderer est néanmoins un très bon film. Produit par la Fox, il ressemble pour Hong-jin Na à un marchepied idéal vers Hollywood. Espérons que les américains ne castreront pas le fringant sud-coréen et ne transformeront pas ses impitoyables films noirs en action movies ramollis du cerveau.

Autre film, Mes meilleures amies (bridesmaids) de Paul Feig est décrit par le Monde comme « une extraordinaire réussite ». N’allons pas jusques là. C’est une production Judd Apatow donc un film bordé et assez prévisible, alternant avec habileté le grotesque et une face plus sensible. Je n’ai rien contre Apatow dont Step brothers (2008) et Superbad (2009) ont ravi nombre de mes soirées DVD. Seulement ces histoires d’adulescents qui n’en finissent pas de vouloir rester jeunes avant de vieillir deviennent lassantes. Ici, c’est Annie (la talentueuse Kirsten Wiig), qui à l’occasion du mariage de sa meilleure amie Lillian (Maya Rudolph), pète les plombs car Lillian lui a préféré une amie de fraîche date, agaçante à force d’être parfaite, Helen (Rose Byrne), pour l’organisation de sa noce. Le scénario se plaît à enfoncer Annie jusqu’à ce qu’elle se rende compte combien sa vie est lamentable et qu’elle décide de se reprendre en main. Il y a des scènes très réussies, notamment celle où les deux rivales se disputent le micro pour lancer les cérémonies de mariage. Malheureusement, Paul Feig a du mal à mettre du rythme dans sa comédie et certaines séquences sont étirées, que ce soit l’essayage de la robe de mariée ou le vol vers Vegas. La scatologie, déclinée au cours du fameux essayage, a de mon point de vue beaucoup de mal à se marier à l’univers féminin, en tout cas sous cette forme comico-gastrique. A ce titre, le personnage de Megan (Melissa Mc Carthy), geek au féminin qui incarne cette inclination du film vers le mauvais goût, m’a paru particulièrement lourd. C’est un personnage artificiel, trop caricatural pour être attachant. Que dire enfin de la morale du film si ce n’est qu’elle est convenue, bien qu’elle participe de l'originalité des productions Apatow. Après avoir provoqué des catastrophes, Annie retrouve l’amour, accepte enfin que sa meilleure amie se marie. Elle le fait toutefois sans renoncer à elle-même puisqu’elle reprend la pâtisserie, sa vocation abandonnée. Les productions Apatow déclinent toujours cette rentrée dans le rang, cette renonciation à l’adolescence qu’on opère en préservant le petit grain d’originalité qu’on a en soi. Ce qui en fait son charme fragile, c’est bien cette capacité à vouloir concilier chez ses héros originalité et conformisme. C’est d’ailleurs à se demander si ce genre de schéma narratif ne mériterait pas un jour de sortir du registre la comédie régressive, de creuser davantage ses personnages aussi, pour aller vers un registre plus doux amer, plus adulte, à la Woody Allen. On peut toujours rêver !

 

Si on peut se passer d’aller voir Mes meilleures amies, the Murderer mérite quant à lui une bonne séance de rattrapage, fâcherie ou pas avec sa moitié !

Une séparation, une classe contre l'autre

Une séparation attaque immédiatement son sujet, par la tentative de divorce devant le juge d’un couple de la bourgeoisie iranienne. La caméra épouse le regard du magistrat sur Nader (Peyman Moaadi) et Simin (Leila Hatami), scrutateur et en léger surplomb. Elle souhaite partir à l’étranger avec leur fille Termeh (Sarina Farhadi), lui désire rester en Iran pour s’occuper de son père atteint de la maladie d’Alzheimer. Il désapprouve la volonté de séparation de son épouse. Le juge, autrement dit la société lui donne raison et ne voit pas matière à divorce, la femme resterait que les problèmes soulevés se dissiperaient. Ce regard tiers sur un drame familial est fondamental pour comprendre le cinéma d’Asghar Farhadi. Tout au long du film, le réalisateur donnera l’impression de planter sa caméra au milieu des disputes et d’attendre que ses acteurs, tous excellents, fassent jouer la colère et la frustration. Or, dans chaque scène, il y a comme un élément extérieur qui s’invite, un surmoi qui plane sur les motivations des personnages et les empêche d’agir librement. Surmoi religieux bien sûr, regard de l’autre, peur pour sa famille biaiseront constamment le rapport des personnages à la vérité et alimenteront la tension dramatique.

La conquête de Xavier Durringer, entre guignols et vaudeville

Autant la conquête de Xavier Durringer est un film amusant à voir, autant sa proposition de mise en scène est faible et son propos assez étriqué. Le film est résumable ainsi : c’est l’histoire d’un homme politique, Nicolas Sarkozy, qui, en conquérant la présidence de la République Française en 2007, perd sa femme. La conquête conjugue donc la chronique d’une ascension politique et une histoire de couple qui tourne au vinaigre. Sur les deux tableaux, le film n’est pas particulièrement percutant même s’il réussit à divertir.