Hope (Na Hong-jin)

Duel de Steven Spielberg, c’est 1H35 de prise en chasse d’une voiture par un camion fou conduit par quelqu’un dont on ne voit pas le visage. Hope de Na Hong-jin, c’est 2H37 de course poursuite entre des villageois sud-coréens et des monstres, dont on ne verra le premier qu’au bout d’une heure. Rien de plus intense qu’une bonne poursuite. Le cinéaste de l’excellent The chaser (2008) n’est pas avare de situations poussées à leur paroxysme. Il a bénéficié du plus gros budget cinéma de son pays, environ 45 millions de dollars, et pour montrer qu’il les a bien utilisés, il a puisé ses références dans le blockbuster américain en multipliant les clins d’œil, surtout à Spielberg et Cameron. Il a ajouté sa tonalité personnelle qui est de mettre en scène des personnages plus ordinaires et crétins les uns que les autres.

Cinéclub : On achève bien les chevaux (Sydney Pollack)

Il y eut un temps à Hollywood où des producteurs de cinéma, gens qui avaient toute leur tête, montaient et finançaient des films morbides et désespérés. Il y avait même une star, Jane Fonda, qui un an après Barbarella (1968) permit au projet d’exister et le public était d’accord puisque le film rapporta plus de deux fois son budget en Amérique du Nord et fut nommé pour plein d’Oscars. Adapté d’un court roman d’Horace McCoy, « They shoot horses, don’t they » (titre original) est un spectacle édifiant mis en scène par Sydney Pollack : deux heures pendant lesquelles des jeunes gens subissent une épreuve physique inhumaine. Le spectateur sort troublé et garde du film une impression tenace d’agonie – c’est le mot le plus fort qui me soit venu pendant le visionnage.

Fjord (Cristian Mungiu)

Comment définir Fjord, détenteur de la Palme d’or 2026, si ce n’est en le qualifiant de film à thèse, film dissertation, exposant une situation humaine complexe et demandant au spectateur de peser le pour et le contre pour ensuite prendre position. Il est question d’une famille, les Gheorghiu, qui vient d’immigrer en Norvège et qui expérimente l’intégration organisée par l’Etat et l’insertion dans une communauté plutôt bienveillante du nord du pays. On a dès l’entame l’impression que le scénario a sciemment complexifié la situation pour éviter plus tard les oppositions trop manichéennes. La famille en question vient de Roumanie, elle est donc européenne et elle est aussi mixte : Lisbeth l’épouse interprétée par Renate Reinsve est norvégienne. Autre particularité : ils ne sont pas musulmans mais chrétiens fervents, évangéliques. Ils parlent un peu le norvégien mais maîtrisent l’anglais. Mihai (Sebastian Stan), le père, est diplômé et peut accéder à un travail qualifié dans son pays d’accueil. La Norvège déroule un processus d’intégration impeccable, à l’image des paysages blancs et immaculés de la petite commune entre fjord et montage, filmée en plans larges.

La bataille de Gaulle (Antonin Baudry)

Avec cette fresque en deux parties, produite par Pathé (80 millions d’euros tout de même) et réalisée par Antonin Baudry (cf. Le chant du loup en 2019), le spectateur a droit à 5h20 de cinéma en tout - c'est plus que les 5H17 du 1900 de Bertolucci ! On ne ressent pas la longueur ni l’ennui mais on balance entre enthousiasme et parfois haussements d’épaules. La deuxième partie du diptyque (J’écris ton nom) est bien plus consistante et stimulante que la première (L’âge de fer).

L'Être aimé (Rodrigo Sorogoyen)

Le cinéma justifie-t-il tout ? Est-ce qu’un cinéaste célèbre a tous les droits y compris celui de faire du mal aux autres du moment qu’il crée une œuvre d’art essentielle ? Rodrigo Sorogoyen a 44 ans et fait sans doute partie d’une génération qui se pose un peu plus cette question que les générations précédentes. Après me-too, les scandales avérés, quelques condamnations aussi, le milieu du cinéma réfléchit sur ses pratiques et sur les limites morales qu’il met ou non à ses créateurs. Esteban Martinez, réalisateur espagnol consacré par Hollywood, est l’archétype de la figure sacralisée, celle de l’auteur européen masculin (pour l’essentiel), charismatique, roublard, autoritaire. On le voit commenter pour une édition DVD un de ses premiers films, Siroco, dont l’esprit transgressif lui vaut le respect des nouvelles générations, mais dont on comprend que le tournage a dépassé des limites acceptables de violence pour les acteurs. Javier Bardem prête à Martinez sa présence massive, à la fois tendre et violente. La figure du réalisateur de cinéma qui dirige son film et son équipe de tournage comme une famille se confond avec la figure d’un père omnipotent et manipulateur qui mélange le travail et les sentiments.

Les rayons et les ombres (Xavier Giannoli)

Après avoir vu ce film, je me suis demandé quelles étaient les directives que Xavier Giannoli avait pu donner à Jean Dujardin afin d’interpréter Jean Luchaire, patron de presse collaborationniste fusillé pendant l’Epuration. Même si Dujardin n’est plus depuis longtemps un pur acteur de comédie, déployant imbécillité et énergie comique, je l’ai trouvé étonnamment éteint, indifférent et résigné dans sa façon d’incarner Luchaire. Il m’a paru au diapason du film, notamment sa première moitié dans laquelle la photographie entre beige et gris donne un teint vitreux et triste aux personnages. C’est sa fille Corinne (Nastya Golubeva Carax) qui raconte leur histoire, depuis les rassemblements de militants pacifistes des années 20 jusqu’à la fuite à Sigmaringen mais Luchaire-Dujardin semble traverser cette époque tragique avec indifférence et cynisme, sans qu’on le voie tiraillé par sa conscience, habité par le doute ou éventuellement transformé par le fanatisme. Son jeu et son visage demeurent lointains et énigmatiques, sauf quand on s’en prend à sa fille.